Deborah Dorotinsky*
deborahd@musicfrontiers.com
Sin
duda la fotografía y el video son los medios privilegiados
para documentar y comunicar los trabajos de otras artes
como la arquitectura, el teatro y la danza. Si bien
en estas últimas la imagen fotográfica sustrae
diminutos fragmentos de un tiempo que fluye y nos deja
sordos frente a la dimensión sonora del acontecimiento,
aplicada a las artes escénicas la fotografía
rescata pequeños momentos que puntualizan los movimientos
del cuerpo y su relación con el espacio.
Julieta Cervantes aplica a la danza el punctum barthiano:
nos entrega en sus fotografías esos pedazos que
hieren, que atraen, que cautivan de entre todo un repertorio
de movimientos, cuerpos entrelazados y espacios iluminados.
Quizá la característica más notable
de sus imágenes de danza sea la manera tan equilibrada
en la que logra combinar los cuerpos de los bailarines
con el entorno en el cual transitan, palpitan, se contorsionan
o languidecen.
Hay en sus composiciones una fuerte tendencia formalista,
sobre todo en las fotografías en blanco y negro.
Aprovecha los mínimos detalles de iluminación
para marcar claroscuros que acentúan el carácter
corpóreo de la danza: músculos que se tensan
o relajan, abdómenes que se contraen, figuras que,
suspendidas de cuerdas, parecieran flotar. Allí se
encuentran los instantes estáticos de reposo y pausa,
como los paréntesis de silencio en una pieza musical.
Julieta cambia su cámara de posición:
mira de frente y nivela el horizonte del escenario con
el de su aparato, inclina el ángulo a un costado
y el escenario se resbala en contrapunto con la posición
de los bailarines. También se aproxima y revela
la tensión de los rostros causada por el esfuerzo
físico. Julieta no siempre mira de frente al escenario,
se escabulle tras bambalinas y desde la tramoya y los espacios
laterales logra captar escenas que el público no
puede apreciar; intercala equipo, cables y lámparas
de iluminación en primer plano con los cuerpos que
se desplazan, dejando en la imagen el halo de su paso. Aquí las
imágenes se tornan más dramáticas:
respiran, incitan al movimiento.
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Resulta difícil dilucidar qué de
la danza atrae más a Julieta, si el movimiento o
el escenario, ya que éste juega un papel casi protagónico
en buena parte de su producción. Quizá se
deba a su formación de arquitecta en la Facultad
de Arquitectura de la Universidad de las Américas,
en Puebla. Su mirada fotográfica sobre la
danza está marcada por una peculiar perspectiva
arquitectónica del espacio escénico. Aunque
también su participación como bailarina en
la compañía de la UDLA, así como en
dos grupos independientes, podrían explicar por
qué al cambiar de medio de expresión el ojo
de Julieta sigue persiguiendo la relación del cuerpo
con el espacio donde éste actúa, hace piruetas,
se desliza y, finalmente, se congela. Ya desde su época
de estudiante, Julieta recuerda que siempre dedicó "más
tiempo a la creación de un concepto y de esquemas
compositivos que a definir la estructura y detalles de
la construcción", siguiendo las ideas sugeridas
por su lectura de la teoría de movimiento de Rodolf
von Laban, "que tiene que ver mucho con relaciones del
cuerpo con el espacio". Ahora estos esquemas compositivos
se manifiestan plenamente en las fotografías, en
particular en algunas de las imágenes tomadas en
formato panorámico.
Con respecto a la tecnología a la que recurre la
fotógrafa, ella misma explica:
Empecé tomando fotos con una cámara de 35mm
(Nikon FE). Armé un portafolio escaneando negativos
o impresiones, es uno de los libros que tú tienes
( If I can't dance ...).
Después, cuando empecé a hacer las fotos para periódicos, tuve que
usar una cámara digital (Canon 10D) porque tengo que mandar las fotos
rápido; pero sigo llevando mi otra cámara con rollos blanco y
negro y trato de seguir tomando fotos con ella cuando es una función
interesante. En el libro del Nederlands Dans Theatre algunas son
digitales (las de color) y otras con película en blanco y negro. De
repente uso una cámara panorámica, cuando el espacio se presta.
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Precisamente en el formato panorámico
Julieta logra capturar de forma más integral el
trabajo de danza de una compañía, cuando
la mayor parte del elenco se encuentra sobre el escenario,
repartido en la amplitud que el formato le permite. También
en ese espacio nos permite apreciar el fragmento temporal
de una escena completa, tal cual puede verla el público,
ya sea desde la galería o un primer piso, como en
el caso de la imagen en blanco y negro que inaugura uno
de sus dos libros de autor, Nederlands Dans Theater (2004).
En esa serie a color y en blanco y negro, Julieta articula
fotográficamente el papel que corresponde al montaje
de diferentes estructuras armadas: paredes de espejos,
de lona o de maderas verticales, tapetes persas colgantes
y superpuestos, hileras de sillas como creadores de un
ambiente donde la danza, y por ende los cuerpos que la
ejecutan, puede desenvolverse. Es justamente "cuando el
espacio se presta" cuando Julieta, cámara al ojo
o en mano, se apresta a robarle instantes al tiempo y depositarlos
congelados y con respiros de movimiento en la suaves transparencias
de brazos, piernas y torsos. Nuestra mirada se detiene
sobre sus superficies y en nuestro interior tenemos la
certeza de que algo respira en sus profundidades.
